Pintura gótica

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Pintura gótica
Simone Martini (1285‚Äď1344). Temas oscuros y una intensa emoci√≥n se vieron cada vez m√°s acentuadas en el arte g√≥tico tard√≠o.

La pintura g√≥tica, una de las expresiones del arte g√≥tico, no apareci√≥ hasta alrededor del a√Īo 1200, es decir, casi 50 a√Īos despu√©s del comienzo de la arquitectura y la escultura g√≥ticas. La transici√≥n del rom√°nico al g√≥tico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los comienzos de un estilo que es m√°s sombr√≠o, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia septentrional de finales de siglo. Disemin√°ndose por el resto de Europa, el periodo g√≥tico se extendi√≥ durante m√°s de doscientos a√Īos.

Contenido

Características generales

La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. Se considera que esta característica surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y que marcó el estilo dominante en la pintura europea hasta el final del siglo XV. La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, no obstante, sigue siendo poco usual. Se desprende de los convencionalismos y amaneramientos bizantinos y románicos, pero no toma como ideal de belleza el arte griego ni romano antiguo. Por lo mismo, aunque dicha pintura es un verdadero renacimiento, se distingue de la propiamente llamada del Renacimiento clásico en que no cifra, como ésta, su perfección en la belleza de las formas exteriores (que, aun sin descuidarlas, resultan, a veces, algo incorrectas en la pintura gótica) sino, sobre todo, en la expresión de la idea religiosa y en dar a las figuras cierto sabor místico y eminentemente cristiano. A pesar de ello, también ha de decirse que es en este momento en el que comienza la pintura profana, esto es, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos.

Patética expresión de dolor en uno de los ángeles del Llanto sobre el cuerpo de Cristo, pintura mural realizada por Giotto (h. 1266-1337) en la Capilla de los Scrovegni de Padua.

En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico. El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay mucho sentimiento en las obras góticas. Paralelamente, la cultura burguesa demanda una nueva elegancia dentro del arte. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad,... que se logran con técnicas más refinadas.

En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos. Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían el cristianismo visible para una población analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones. Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva. En efecto, se produjeron lentos avances en el uso de la perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los soportes (que permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes.

Técnicas

La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas.

Pintura mural

Madonna con ángeles y San Francisco, obra de Cimabue, hacia 1280, pintura al fresco ejecutada en la iglesia inferior de Asís.

La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, especialmente en Italia, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores. Fuera de Italia no se cultivaron mucho. Italia, apegada a la forma basilical de las iglesias, conservó mayor extensión en los muros para las pinturas y mosaicos que narrasen historias religiosas.

En la Toscana, las escuela sienesa y florentina, con el Giotto como el más grande de los pintores del Trecento, continuaron la tradición de la gran pintura mural, ya que la arquitectura gótica no llegó a echar raíces en Italia como en Francia. Esta pintura toscana del Trecento, siendo plenamente gótica, anticipa ya el Renacimiento. Los nombres más destacados fueron Cimabue y Giotto.

Vidrieras

Vitral de la cabecera de la Iglesia de San Pedro de Caen (Siglo XIII). Normandía, Francia.

Frente a lo que ocurre en Italia, en el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. El desarrollo de la Arquitectura gótica con la progresiva sustitución del muro por grandes ventanales con vitrales de colores que permiten el paso hacia el espacio interior de una luz polícroma y matizada, implicó, en las grandes catedrales góticas de Francia, a la práctica desaparición de la pintura mural que se había desarrollado ampliamente en los muros de las iglesias románicas.

El muro transl√ļcido fue el primer espacio propio o √°mbito donde se desarrollaron las artes del dibujo y del color en el G√≥tico. Durante la Baja Edad Media el arte de los vitrales de las catedrales e iglesias se desarroll√≥, en Europa, paralelamente con la arquitectura g√≥tica, la cual se caracterizaba por la altura de sus naves y la audacia de sus estructuras con b√≥vedas de crucer√≠a que se apoyaban en esbeltos soportes y arbotantes para transmitir al suelo el peso y el empuje de las b√≥vedas, liberando de las funciones resistentes a los muros de los edificios que progresivamente fueron sustituidos por ventanales y tracer√≠as o encajes de piedra con vitrales de color.

En una primera etapa los colores son vivos y saturados, el plomo delimita las formas, las cuales son delineadas con precisi√≥n para poder ser vistas a trav√©s de la irradiaci√≥n luminosa de la vidriera, ello conduce a la tendencia de descomponer la vidriera en medallones, nichos u otro tipo de compartimentos. Las vidrieras revelan, m√°s que ning√ļn otro arte, el componente irrealista y artificial del arte g√≥tico.

A mediados del siglo XIII se produce una modificación profunda de la gama de colores ya que los fondos incoloros se asocian a los tonos quebrados de las escenas y figuras. Con una gama potente pero restringida, las menudas figuras humanas se hacen más agitadas y libres. En la Iglesia de San Urbano de Troyes (hacia 1270) o en las vidrieras de medio punto de la catedral de Beauvais, es donde se dan los mejores ejemplos de estas innovaciones.

En el siglo XIV, tras el descubrimiento del amarillo de plata los vitrales ganan en ligereza, llen√°ndose de un preciosismo dorado que antes nunca tuvieron. En Normand√≠a, en el coro de Saint-Ouen de Ruan y en la Catedral de Evreux se hallan las vidrieras m√°s bellas. El arte de las vidrieras culmina en un estilo exquisito de una calidad igual o superior a las obras maestras de la miniatura. En la cuenca del Loira, en Champa√Īa o en Alsacia se completa el panorama de las vidrieras en Francia, culminando en las naves laterales de la Catedral de Estrasburgo.

En Inglaterra destaca la gran ventana occidental de la catedral de York. En Espa√Īa, las vidrieras m√°s destacadas son las de la catedral de Le√≥n.

Miniaturismo e ilustración de libros

Anónimo, San Bernardo de Claraval, Inicial de la letra B en un manuscrito del Siglo XIII.

Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, registrando en sus miniaturas la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales. En la pintura de los códices (o miniaturas), sobre todo en Francia, buscando la realidad y delicadeza en las figuras, todavía les faltaba mucho a éstas para ser modelos en dibujo y perspectiva.

Las miniaturas consist√≠an en peque√Īas composiciones : pinturas o dibujos de figuras enmarcadas en las letras iniciales o en diversos compartimentos como medallones, arabescos etc. Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u √≥xido de hierro, mezclado con colorantes naturales.

En el periodo rom√°nico y en el primer g√≥tico los temas ten√≠an car√°cter sacro, su composici√≥n estaba influida por criterios similares a los que reg√≠an para los vitrales de las catedrales e iglesias del propio periodo. En el siglo XIV, se introdujeron temas profanos y el arte de las miniaturas se traslad√≥ a los talleres artesanos de Par√≠s, Borgo√Īa y Flandes.

Los manuscritos ilustrados tuvieron una amplia difusión internacional, a través de las cortes de la nobleza europea.

Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y los hermanos Limbourg. Quizá el más famoso manuscrito gótico sean Las muy Ricas Horas del Duque de Berry.

Pintura sobre tabla

Aunque se ha dicho que la pintura g√≥tica tiene su espacio propio en los grandes vitrales de las Catedrales y en las miniaturas pol√≠cromas de los libros, lo cierto es que la pintura propiamente dicha donde subsisti√≥ fue en los retablos, las tablas pintadas que forman los frontales o los laterales de los altares y en los muros de las capillas laterales. Puede diferenciarse, adem√°s, entre los retablos, que son tablas pintadas o esculpidas que ornamentan los altares de las iglesias, y las tablas de devoci√≥n, individuales, de menor tama√Īo, que adornan las iglesias y las casas particulares.

Maest√° del Duomo de Siena, obra de Duccio di Buoninsegna, una de las obras m√°s famosas de la pintura italiana; temple sobre madera, 214 x 412 cm Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo, Siena.

La pintura sobre tabla, generalmente retablos, se impuso por toda Europa. En el siglo XV era ya la forma pict√≥rica predominante, suplantando incluso a las vidrieras. De tablas o frontales √ļnicos se pas√≥ a d√≠pticos, tr√≠ptico, y luego complicados pol√≠pticos que combinaban numerosas piezas hasta llegar a los grandes retablos del siglo XIV, con muchas tablas que se organizan con el banco o predela (cuerpo inferior) y calles verticales, separadas por estrechas entrecalles; en la calle central se representaba el tema principal del retablo.

Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales. Es novedad de la √ļltima fase del g√≥tico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando as√≠ lugar a la pintura al √≥leo. El √≥leo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista.

Fases de la pintura gótica

Estilo gótico-lineal o franco-gótico

El estilo gótico lineal se desarrolla entre el siglo XIII y el XIV.Y Destaca la importancia que le da a las líneas del dibujo. Predomina un cromatismo vivo frente a los matices de color. Los temas, naturalistas, se tratan con sencillez.

¬ęEl diablo y una mujer¬Ľ, vidriera h. 1248, de la Santa Capilla de Par√≠s.

Ejemplifica esta época las vidrieras de las catedrales y las miniaturas. En Francia, destaca el conjunto de la catedral de Chartres. Otras vidrieras son las de las catedrales de Bourges, Tours, Bayeux y de la Santa Capilla de París.

Es caracter√≠stico de las miniaturas de esta √©poca el empleo de encuadramientos arquitect√≥nicos, as√≠ como el uso abundante de oro y las orlas vegetales. Entre las obras producidas dentro de este estilo, cabe citar las Biblias historiadas, como la Biblia Pauperum, las dos biblias de Pamplona o la llamada Biblia moralizada de San Luis (catedral de Toledo); otras obras de devoci√≥n fueron el Salterio de la reina Blanca de Castilla (Biblioteca del Arsenal, Par√≠s) y el Pasionario de Cunegunda (Praga), ya del siglo XIV. La obra maestra de la miniatura espa√Īola de la √©poca es el C√≥dice de El Escorial de Las Cantigas, obra del scriptorium de Alfonso X.

Comienza a verse en esta √©poca pintura sobre tabla, pudi√©ndose mencionar el D√≠ptico de la Virgen (Museo de Berl√≠n) y numerosos frontales catalanes y aragoneses, como el de Valltarga o el de Avi√†. En Espa√Īa se sigue cultivando la pintura mural en esta √©poca, destacando la Sala Capitular de Sigena (MNAC) y la capilla de San Mart√≠n, en la Catedral Vieja de Salamanca, obra de Ant√≥n S√°nchez de Segovia. En el techo de la catedral de Teruel pueden verse las pinturas atribuidas a Domingo Pe√Īaflor.

Estilo italo-gótico

Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento) en Italia. Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los primitivos estilos clásicos o paleocristianos en pinturas y paneles de Florencia y Siena. Demostraban más realismo del que se encontraba en el arte románico y en el bizantino, caracterizado por una huida de la llamada maniera greca que dominaba Italia, y que fue sustituida por un estilo más realista. Se sentía fascinación por la perspectiva, y por la ilusión de crear espacios que parecieran reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más anatómicamente correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y actitudes. Se muestra también un interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad intensificada por influencia franciscana.

En el siglo XIII (Ducento) se distingue la escuela toscana, particularmente la obra de Giunta Pisano. A esta primera etapa de la pintura gótica ha de atribuirse igualmente la labor de la escuela romana de mosaicos y pintural murales, cuyos nombres más destacados son los de Jacopo Torriti y Pietro Cavallini. Cavallini fundió la pintura de la tradición local romana (arte romano y arte paleocristiano) con las convenciones bizantinas; sus vigorosos y bellos frescos y mosaicos muestran un dominio del naturalismo.

Escuela florentina

Se considera a Cimabue el iniciador de la escuela florentina del Trecento. Trabajó en Roma en 1272, conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que le influyó para abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. Su obra más conocida es la Maestà, que estaba en el altar de la iglesia de Santa Trinità de Florencia. A finales de siglo estuvo trabajando en la Asís.

El beso de Judas, 1304-1306, fresco, 200 x 185 cm, Capilla de los Scrovegni, Padua

No obstante, el gran maestro de esta escuela es un discípulo suyo, Giotto (h. 1266-1337), al que se considera como auténtico iniciador de la pintura moderna. Es Giotto quien busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje. Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso en la historia de la pintura. Con él llega a la cumbre la pintura gótica italiana. En la Capilla de los Scrovegni, en Padua, se encuentra todo un ciclo de frescos (1305-1306) que mostraron escenas de la vida de la Virgen. También es importante su intervención en Asís, con un ciclo sobre la vida de San Francisco. Giotto tenía un gran poder para organizar toda una escena en torno a una imagen central, como puede verse en una de sus obras más famosas, el Beso de Judas. Estuvo en Roma en 1330, donde pintó un fresco en el palacio de Letrán. Allí conoció las innovaciones de Pietro Cavallini.

La impresi√≥n que les caus√≥ la fidelidad a la naturaleza de la obra de Giotto a sus contempor√°neos, fue irresistible. La capacidad de simplificar y ordenar la experiencia de la realidad para lograr la representaci√≥n directa de las cosas, junto a la disposici√≥n las historias en compartimentos historiados concebidos como ventanas donde Giotto sit√ļa los personajes cargados todav√≠a de un peso escult√≥rico que contrasta con la elocuencia de sus gestos. Sobre el fondo de arquitecturas o paisajes dibujados en complejas perspectivas, Giotto desarrolla el ¬ęespacio pict√≥rico¬Ľ, un √°mbito de tridimensional que se extiende en profundidad por detr√°s de la superficie pintada en lo que es la principal innovaci√≥n de la pintura del Trecento y el m√°s importante avance que se haya dado en toda la Historia de la Pintura. Con el espacio pict√≥rico nace la pintura moderna. Seguidores suyos fueron Taddeo Gaddi y Andrea Orcagna.

La Peste Negra que devast√≥ Italia a mediados del siglo XIV afect√≥ profundamente a Florencia, lo mismo que a Siena. Su versi√≥n m√°s impresionante es un fresco ejecutado en el a√Īo 1350 en el Campo santo de Pisa, el cementerio junto a la catedral de Pisa. Esta obra, atribuida a Francesco Traini, disc√≠pulo y seguidor de Giotto, reproduce fragmentos dram√°ticos y simboliza el crep√ļsculo de la gran pintura italiana del Trecento. Un incendio, en 1944, da√Ī√≥ el fresco, que tuvo que ser retirado.

La herencia de Giotto y Martini que había suscitado la mayor renovación pictórica de toda la Historia de la pintura, no se reencontrará en Italia hasta un siglo más tarde, cuando el genio del arquitecto Brunelleschi, juntamente con los pintores Masaccio y Piero della Francesca o del escultor Donatello, eleven los destinos del Arte hasta el Renacimiento.

Escuela sienesa

Simone Martini: María Magdalena, detalle del retablo del Altar Mayor (1321), Orvieto.

Se inicia con Duccio, quien, aun fuertemente influido por la pintura bizantina, intent√≥ superar su bidimensionalidad. En los siglos XIII y XIV, la ciudad de Siena compet√≠a en el esplendor de su arte con Florencia. Es en esta ciudad en la que Duccio ejecuta su mayor obra y una de las m√°s famosas pinturas italianas: la Maest√† de la catedral de Siena. Fue contratada por la catedral de Siena en 1308 e instalada all√≠ con gran ceremonia en 1311. Posteriormente, la obra fue desmantelada y vendida, en parte porque no era apreciada. Como consecuencia, hay paneles de la Maest√† en diversas partes del mundo, como Washington DC, Nueva York y Londres. La Maest√† fue pintada por los dos lados: en un lado la Virgen con el Ni√Īo y en el otro escenas de los Evangelios; revela fuertes lazos con la tradici√≥n bizantina, pudiendo apreciarse la influencia de Europa Septentrional en las formas graciosas y ondulantes de las figuras. Duccio recibi√≥ esa influencia de segunda mano, a trav√©s de las esculturas de Nicola y Giovanni Pisano XXXX.

Se considera a Simone Martini como el artista m√°s puramente g√≥tico de Siena, ejemplo por antonomasia del estilo italo-g√≥tico, y el √ļnico que pod√≠a rivalizar con Duccio. El estilo g√≥tico norte-europeo estaba representado en la Italia de la √©poca por Francia. En 1266 una de las ramas de la Casa de Anjou estableci√≥ una corte en N√°poles y Martini fue llamado para pintar un cuadro por encargo del rey Roberto el Prudente. Su Madonna con santos y √°ngeles del gran sal√≥n del Palacio Comunal de Siena (1315) es muy caracter√≠stica, poniendo de manifiesto la influencia que en √©l ejerci√≥ la pintura francesa, aunque a√ļn mantiene lazos con la tradici√≥n bizantina.

Ambrogio Lorenzetti: ¬ęAlegor√≠a de la Paz¬Ľ, modelo de belleza femenina del Trecento, detalle de las alegor√≠as del Buen y del Mal Gobierno 1338-1340, Siena.

Los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti traen la marca de Giotto a la escuela sienesa. Los hermanos Lorenzetti difundieron un modelo de Virgen con Ni√Īo en un coloquio impregnado de tristeza. De las obras que ejecutaron, la obra m√°s destacada de Ambrogio es el fresco que representaba las alegor√≠as del Buen y del Mal Gobierno, encargado para el interior del palacio comunal de Siena. Era el primer intento de mostrar un escenario real con habitantes reales. En la alegor√≠a de la Paz se encuentra representado el modelo de belleza femenino de la √©poca. Ambos hermanos murieron de repente en el a√Īo 1348, probables v√≠ctimas de la Peste Negra.

Las bas√≠licas de As√≠s fueron el lugar donde coincidieron los grandes pintores del final del Ducento con los del Trecento: Cimabue junto con sus disc√≠pulos, pint√≥ en ambas bas√≠licas. Giotto con sus disc√≠pulos, pint√≥ las Historias Franciscanas de la Iglesia Superior, otros pintores de la escuela florentina as√≠ como Duccio di Buoninsegna, Simone Martini y otros pintores de la escuela sienesa estuvieron tambi√©n en As√≠s. Reinventaron el retablo o la pintura sobre tabla que decoraba los altares de las catedrales e iglesias toscanas y continuaron la tradici√≥n de la gran pintura mural que culminar√° en el Palacio de los Papas de Avi√Ī√≥n.

Difusión por europa

El nuevo estilo italiano influy√≥ en la pintura de los distintos pa√≠ses, pudiendo citarse a Jean Pucelle en Francia y al maestro Bertram en Alemania. Por lo que se refiere a Espa√Īa, pronto se recibieron directamente obras realizadas en Italia, como el retablo de Don Juan de Manuel (catedral de Murcia), obra de Barnaba da Modena. Pintores italianos, como Gerardo Starnina, trabajaron en la Pen√≠nsula Ib√©rica. En Catalu√Īa inici√≥ el estilo Ferrer Bassa, que debi√≥ pasar un tiempo en Italia. No obstante, el autor m√°s destacado de la escuela catalana es Ram√≥n Destorrents. Pueden mencionarse, asimismo, a los hermanos Jaume y Pere Serra.

Estilo internacional

El Rey Ricardo II es encomendado a la Virgen, Parte izquierda del Díptico de Wilton, hacia 1395, National Gallery de Londres.

El estilo internacional fusiona, a finales del siglo XIV, características del gótico lineal propio del Norte de Europa y la pintura trecentista italiana. Los artistas destacados viajaban de Italia a Francia y a la inversa, así como por toda Europa, de manera que las ideas se divulgan y combinan. Los pintores siguen una técnica minuciosa, representando con gran detalle las anécdotas, buscando reflejar la realidad con gran naturalismo, pero sin olvidar el sentido simbólico de lo que se representa. Las figuras se estilizan, y abundan los plegados en los ropajes. Ahora, los temas, aunque religiosos, se interpretan como profanos, los santos se transforman en apuestos caballeros y distinguidas damas, que se desenvuelven con ademanes exageradamente afectados en ambientes palaciegos. Obras de este estilo se vieron no sólo en esos dos países ya mencionados, sino también en Inglaterra, Alemania, Austria o Bohemia.

Francia es el centro difusor de estas tendencias, comenzando por la influencia de los duques Juan de Berry y Felipe de Borgo√Īa. A√ļn prevalec√≠a all√≠ la iluminaci√≥n de manuscritos como la forma de pintura predominante. Lleg√≥ a nuevas cumbres con la obra de los Hermanos Limbourg, quienes aun viviendo en los Pa√≠ses Bajos, trabajaban para la nobleza francesa. Su obra maestra conjunta son las Muy Ricas Horas, encargo del duque de Berry. Pertenece al g√©nero de los libros de horas, un libro de oraciones ilustrado que conten√≠a los rezos para cada una de las siete horas can√≥nicas del d√≠a. Tambi√©n inclu√≠a un calendario y uno de cada dos meses est√° ilustrado con temas profanos referentes a cada estaci√≥n. La obra a√ļn estaba incompleta cuando los artistas murieron, posiblemente debido a la Peste Negra.

Algunas obras de arte gótico muestran el impacto de la Peste Negra. Esta epidemia, que hoy se sabe que era de peste bubónica, desvastó Europa entre 1347 y 1351. En aquella época muchos consideraron que se trataba de un castigo de Dios. Artistas como el Maestro de las Horas de Rohan reflejaban en sus obras un interés por la muerte y el juicio divino. En aquella misma época, sin embargo, había autores que no parecían afectados por la peste, como el sienés Sassetta. Vivió este pintor una época de paz en Siena, bajo un gobierno republicano durante el cual la ciudad pudo rivalizar artísticamente con Florencia.

Maestro del Jard√≠n del Para√≠so, escena: ¬ęMar√≠a en el jard√≠n con santos¬Ľ, Instituto St√§del, Fr√°ncfort del Meno, h. 1410.

Otro miniaturista de renombre fue Jacquemart de Hesdin. Artista destacado del g√≥tico internacional fue Melchior Broederlam, un flamenco que trabaj√≥ para la corte del duque de Borgo√Īa, en Dijon. Sus tablas presentan las caracter√≠sticas del g√≥tico internacional: una calidad pict√≥rica suave y un detallado realismo. Otros pintores de tablas de Borgo√Īa fueron Jean de Beaumetz, Jean Malouel y Henri Bellechose.

Se trató de un estilo verdaderamente internacional, cultivado en países como Alemania por Conrad Soest, el maestro Francke o Stefan Lochner. Hubo una escuela de Praga a la que pertenecieron el Maestro del Jardín del Paraíso y el de Trebon. Un ejemplo clásico del estilo verdaderamente internacional es el Díptico Wilton, actualmente en la National Gallery de Londres. Se pudo pintar en cualquier momento del reinado de Ricardo II de Inglaterra. Y su autor pudo haber sido de cualquier nacionalidad, no habiendo consenso sobre la misma, lo que revela el carácter de esta etapa del gótico.

En Espa√Īa, por su parte, se desarroll√≥ especialmente en la Corona de Arag√≥n. En Valencia trabajaron Lorenzo Zaragoza, Pedro Nicolau y Marzal de Sax. En Catalu√Īa trabaj√≥ primero Luis Borrass√° y, despu√©s, m√°s cercano al estilo flamenco, Bernat Martorell (Retablo de San Jorge). Otros autores son los aragoneses Pedro Zuera, el maestro de Argu√≠s y Juan Lev√≠, y el mallorqu√≠n Francisco Comes. En la Corona de Castilla trabajaron Nicol√°s Franc√©s, Nicol√°s Delli, Dello Delli, el maestro de Sig√ľenza y Juan Hispalense.

Estilo flamenco

V√©anse tambi√©n: Pintura flamenca, Pintura flamenca (siglos XV y XVI) y Arte de la Edad Moderna

Surge en Flandes durante el primer tercio del siglo XV, al mismo tiempo en que en Italia se encuentran ya en el Renacimiento. Este estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto del siglo. Actualmente, también puede encontrarse que a esta etapa de la pintura se la llama Prerrenacimiento o también Renacimiento nórdico, abarcando la obra de los flamencos hermanos Van Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes y Memling o los alemanes Multscher y Witz.

Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más triviales hay mensajes ocultos, lo que convierte los cuadros en auténticas alegorías.

A esta √ļltima fase del g√≥tico a veces se la conoce tambi√©n como prerrenacimiento o renacimiento n√≥rdico, ya que su rico colorido, su concepci√≥n de la perspectiva y su avanzado tratamiento de la luz permiten considerarlos ya un primer renacimiento. Se mantienen, no obstante, ciertos convencionalismos heredados de la tradici√≥n anterior que resta veracidad a la escena: composici√≥n confusa, pliegues angulosos, gestos forzados, solemnidad excesiva (cierto hieratismo, a veces).

La mayor parte de las obras son encargos privados para la aristocracia o la burgues√≠a, por lo que tienen un fuerte contenido civil y profano. Predominan los cuadros religiosos aunque, a menudo, se interpretan como sucesos cotidianos; de hecho, es com√ļn que quien encarga la obra, es decir, el "donante", aparezca en la escena como un personaje m√°s; a partir de la presencia del donante se desarrolla un nuevo g√©nero: el retrato.

Primer tercio del siglo

Dentro de los primitivos flamencos, se considera que los pioneros fueron los hermanos Hubert y Jan Van Eyck (1380-1441), además del pintor cuya identidad no ha sido plenamente establecida y que se conoce como Maestro de Flémalle.

Jan van Eyck, Giovanna Cenami, esposa de Giovanni Arnolfini, detalle del Retrato de los Arnolfini, hacia 1434.

A Jan van Eyck se le atribuye la invenci√≥n de la pintura al √≥leo. Jan trabajaba como pintor oficial del Duque de Borgo√Īa, lo que le permiti√≥ moverse en un ambiente aristocr√°tico y refinado y se convirti√≥ en un pintor elitista. Por eso sus cuadros son aut√©nticas joyas, con personajes muy solemnes, fr√≠os e impasibles. Sus mayores preocupaciones fueron el realismo, el tratamiento de la luz y la perspectiva. Con su hermano, hizo una obra maestra del arte flamenco: el Pol√≠ptico del Cordero M√≠stico de la catedral de San Bav√≥n en Gante (1432), basado en un pasaje del Apocalipsis. Otras obras famosas de Van Eyck son cuadros de devoci√≥n, especialmente la Virgen del Canciller Rolin y la del can√≥nigo Van der Paele, ambas muy similares y con excelentes retratos de los donantes; y retratos admirables, como el del Matrimonio Arnolfini, una alegor√≠a con un avanzado tratamiento de la perspectiva y de la luz.

Comparte mérito como iniciador de este estilo el Maestro de Flémalle, con gran riqueza de colorido y sentido escultórico de las formas, además de un indudable simbolismo. Se ha identificado con Robert Campin, aunque también hay quien ha sostenido que es Roger van der Weyden en su fase juvenil. Destaca el Tríptico de Werle, tablas en las que está representada Santa Bárbara, el donante Enrique Werle con San Juan Bautista y los desposorios de la Virgen, en el Museo del Prado.

Segundo tercio del siglo

En el segundo tercio del siglo XV trabajan una serie de pintores que afirman y asientan el estilo flamenco. El más destacado de ellos es Roger van der Weyden, considerado la antítesis de Van Eyck por la expresividad. No se preocupó tanto por la perspectiva o la minuciosidad, sino por el dinamismo y el dramatismo. Su obra maestra es El Descendimiento, en la que llama la atención su apariencia escultórica, su emotividad, su esmerada composición a base de poderosas diagonales y la asociación rítmica de las figuras en grupos de tres, de enormes dimensiones y aprisionadas en un nicho fingido. Aquí no hay frialdad, sino calor, reflejando un gusto popular propio de una burguesía acomodada, no tan culta como la que frecuentó Van Eyck. Ejerció una enorme influencia sobre los pintores posteriores.

En esta misma época trabajaron dos pintores que dieron gran importancia a la luz: Dierick Bouts, cuyas figuras alargadas están dotadas de un fuerte carácter escultórico y Petrus Christus, con cierta tendencia a la abstracción.

√öltimo tercio de siglo

En el √ļltimo tercio del siglo XV y principios del XVI trabajaron una serie de pintores que profundizaron en las caracter√≠sticas del nuevo estilo. Algunos de ellos fueron meramente conservadores de las t√©cnicas anteriores a ellos, como Hans Memling y G√©rard David. Gerard David fue el sucesor de Memling en Brujas y fue un artista de √©xito. Su obra representa el auge del estilo caracter√≠stico de los Pa√≠ses Bajos.

Pero hubo otros de mayor originalidad, que pretendían superar los límites del estilo flamenco, entre ellos, Hugo van der Goes, Geertgen tot Sint Jans y, el más notable de ellos, Hieronymus Van aeken, llamado el Bosco. Aunque tuvo una vida acomodada, le obsesionaban la religión y el pecado. Por eso, sus tablas se llenan de figuras fantásticas y visiones diabólicas, cuyo objetivo parece ser moralizar a base de ácidas críticas, pero recurriendo a numerosos recursos pictóricos (el claroscuro, la perspectiva, los paisajes), que suavizan su mensaje haciéndolo más poético. Es célebre por sus obras fantásticas y misteriosas, por lo que hay que considerarlo aparte de sus contemporáneos. Tiene un estilo inigualable y su simbolismo permanece vivo incluso en la actualidad. El Bosco expresa las ansiedades de una época de convulsión social y política. De su abundante obra destacan El Jardín de Las Delicias, gran tríptico que resume la historia moral de ser humano de la creación a la condenación, y El Carro de Heno, otro tríptico que critica el egoísmo y la falta de templanza frente a los placeres prohibidos. Estas dos obras se encuentran en el Museo del Prado, gracias a que el rey Felipe II era gran admirador de su obra y formó una importante colección de pinturas del artista.

Difusión del estilo flamenco por Europa

Konrad Witz: La pesca milagrosa, detalle del altar de San Pedro de la catedral de Ginebra, hacia 1444, Museo de Arte e Historia, Ginebra.

En la segunda mitad del siglo XV, la influencia flamenca se extendi√≥ por Europa. En Francia destaca el pintor de la corte, Jean Fouquet. En torno a Avi√Ī√≥n trabajaron Enguerrand Charonton, Nicol√°s Froment, y el Maestro de Moulins. En Alemania destacan los nombres de Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein el Viejo y Michael Wolgemut, maestro de Durero. El principal autor de estilo luso-flamenco fue Nuno Gon√ßalves.

La pintura hispano-flamenca tuvo un enorme desarrollo. En la Corona de Aragón cabe citar al valenciano Luis Dalmau (Virgen dels Consellers), aunque el más representativo de la escuela catalana es Jaime Huguet. De la escuela valenciana pueden mencionarse a Jacomart y su discípulo Juan Rexach. En Baleares trabajó Pedro Nisart, de probable origen francés. Finalmente, el más destacado representante de la escuela aragonesa es el cordobés Bartolomé Bermejo, con su excepcional Santo Domingo de Silos.

En la Corona de Castilla la llegada del estilo flamenco es posterior, consider√°ndose introductor del mismo a Jorge Ingl√©s. El pintor de m√°s renombre tal vez sea Fernando Gallego, pudiendo citarse otros como Juan de Segovia y Sancho de Zamora (autores del retablo de la capilla de Don √Ālvaro de Luna en la catedral de Toledo), el llamado Maestro de los Reyes Cat√≥licos y Juan S√°nchez de Castro.

Referencias

  • Beckett, W., A Hist√≥ria da Pintura. S√£o Paulo: Editora √Ātica. 1997.
  • Janson, H. W., A Hist√≥ria Geral da Arte. S√£o Paulo: Martins Fontes. 2001.
  • Azc√°rate Ristori, J. M.¬™ de, ¬ęPintura g√≥tica anterior al siglo XV¬Ľ y ¬ęPintura g√≥tica del siglo XV¬Ľ, en Historia del arte, Ed. Anaya, 1986. ISBN 84-207-1408-9

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